Iker Gómez - Coreógrafo

Talleres

4 propuestas de taller para el desarrollo del conocimiento desde la danza contemporánea

Ver Taller 1Ver Taller 2Ver Taller 3Ver Taller 4

Los 4 talleres que desarrollo en la actualidad

01. Los 3 Cuerpos de la Danza

Olvidar los límites desde la exploración del talento propio de cada uno

02. Todo Vídeo - Todo Danza

Los recursos del vídeo a disposición de la danza

03. Herramientas de Análisis Coreográfico

Desde el conocimiento teórico a la inspiración creativa

04. Heterotopía - Laboratorio de Creación

La divergencia como herramienta de composición coreográfica

los 4 talleres

.01

Los 3 cuerpos
de la Danza

.02

Todo Vídeo
Todo Danza

.03

Herramientas de Análisis Coreográfico

.04

Heterotopía
Taller de Creación

taller

01.

Los 3 Cuerpos de la Danza

Olvidar los límites desde la exploración del talento propio de cada uno.

Un taller práctico para el desarrollo cognitivo a través del cuerpo y el movimiento de la danza contemporánea.
Introducción al trabajo de los 3 cuerpos de la danza:

Cuerpo Anatómico, Cuerpo Sentido, Cuerpo Expresivo

Configurado de una manera específica en función de las inquietudes
de cada centro a partir de los siguientes 6 módulos.

1. Floorwork y acrobacias
2. Trabajo de secuencias
3. Dúo-partnering
4. Teatro-físico
5. Improvisaciones
6. Cuerpo, movimiento y creatividad

taller

02.

Todo Vídeo - Todo Danza

Los recursos del vídeo a disposición de la danza.

Exposición teórico práctica del abanico de posibilidades que ofrecen las interrelaciones entre los medios de expresión y representación audiovisual en el área de las artes escénicas y la danza. Todos los territorios: Vídeo danza, vídeo registro, vídeo documento, vídeo promocional. Diferencias entre “Dance forthe camara” y “Dance for the screen” . Análisis del trabajo de la coreografía para la Cámara. Directrices para la elaboración, desarrollo y edición de un proyecto de Vídeo.

1. Las nuevas tecnología en la Danza
2. El vídeo la Danza
3. La cámara
4. El movimiento de la cámara
5. Técnicas
6. Los Contenedores
7. La edición de vídeo
8. Parte práctica:
Conceptualización de la coreografía para la cámara

taller

03.

Herramientas de Análisis Coreográfico

Desde el conocimiento teórico a la inspiración creativa.

Un taller elaborado desde la danza para el desarrollo teórico-reflexivo del conocimiento y como vehículo de inspiración creativa. Las interrelaciones que se pueden crear entre los procesos creativos con el análisis coreográfico de la danza escénica. Este taller puede ser útil tanto para alumnos que se encuentren realizando su formación dentro del ámbito de la danza escénica, así como para docentes que ya son profesionales de la educación pero que deseen complementar y ampliar sus competencias a través de los contenidos del taller.

01. Introducción al concepto de morfología de la danza.
02. Diferenciación entre la escritura, el discurso y la fenomenología coreográfica.
03. Relaciones entre las diferentes escrituras de movimiento y el discurso coreográfico: lo “qué se dice”, el “cómo se dice” y lo “qué hay detrás” de lo que se dice.
04. Nuevas proposiciones para analizar los cuerpos de la danza escénica.
05. Enlaces de la danza con el Teatro Posdramático de Hans Thies Lehmann, la Estética Performativa Erika Fischer Lichte y la Filosofía Teatral de Jorge Dubatti.
06. La poética del cuerpo y la dramaturgia de la danza.
07. Relación de la percepción del espectador con el contexto del hecho teatral.
08. Acercamiento a los territorios de la danza escénica: ballet académico, danza tradicional, danza moderna, danza expresionista, ankoku butoh, danza posmoderna, non danse, teatro-físico, danza-teatro, danza contemporánea, posdanza y performance art escénico.
09. Métodología para generar relaciones entro lo teórico-reflexivo hacia lo creativo.
10. Introducción a la investigación académica de la Danza.

taller

04.

Heterotopía - Taller de Creación

La divergencia como herramienta de composición coreográfica

El laboratorio tiene como objetivo crear una propuesta coreográfica sin marcarse como objetivo el resultado de un producto artístico. Por ello se parte de la idea de dar más importancia al proceso creativo y a todos los aspectos que se pueden procesar desde este. Se buscará a través de diferentes premisas del cuerpo y del movimiento una creatividad que no surja de las explicaciones sino de la intuición corporal. Trabajo de la dualidad: Todo y nada, actividad y quietud, claridad y caos. Trabajo sobre otros términos: Sensibilidad, fluidez, originalidad, divergencia, capacidad de redefinición y sentido del humor. Un laboratorio de investigación que toma como partida construir a partir de lo que acontece en cada  omento, la inteligencia emocional y la intuición corporal para intentar llegar al espacio invisible que se encuentra entre el “significado y el sentido” de la coreografía. Un método de creación basado en la no preparación previa del discurso, sino en la construcción de este a partir de las propias vivencias que ocurren durante el laboratorio, desarrollando la capacidad de organización de estas a través de la dramaturgia de la danza. Un viaje creativo a través de una danza sin moldes. Una danza que abandera la intuición espontánea y la escucha, para dar vida al sentido de la obra.

Mi visión de la danza contemporánea

Desde mis primeros pasos y bailes espontáneos con apenas dos años hasta el día de hoy, he podido ver como la danza influencia positivamente en los aspectos corporales, mentales, afectivos, sociales y culturales de las personas. Cuando miro atrás todo este tiempo y reflexiono sobre los inicios de mi formación como bailarín profesional, puedo valorar positivamente como tanto el papel del alumno en el aula como el del profesor han cambiado considerablemente en las últimas décadas. Ya no se trata exclusivamente de enseñar a bailar bien, sino que además se va ampliando el valor legítimo del proceso cognitivo que se desarrolla a través de la danza. Sin embargo, todavía hay una percepción social generalizada que desconoce este potencial. Todos podemos observar fácilmente como dentro del imaginario colectivo, aún permanece la idea de entender la danza como un mero arte corporal, donde los bailarines son individuos muy disciplinados físicamente y que deben estar en forma con el objetivo principal de construir cuerpos bellos para el consumo visual en un escenario o en la televisión. No podemos negar que esta percepción no sea cierta, pero sin duda la danza son más cosas que ese tipo de arte corporal. La danza, además de otra gran multiplicidad de visiones artísticas, es un término que engloba un amplio campo que puede abarcar tanto lo social, lo terapéutico, como lo académico. Con la danza ayudamos a formar una ciudadanía saludable, con una perspectiva de inclusión, rica en originalidad, flexibilidad, visión futura, iniciativa, motivación y confianza, ayudando con ello a tener una sociedad con personas que interpreten el mundo más plenamente, reconociendo y respetando las diferencias y ayudando a su vez a crear lazos comunitarios. Confío plenamente en el potencial de la danza y su gran capacidad para explorar y aprender desde el espacio de la experiencia de lo concreto. Hay mucha labor por hacer y mucho camino por recorrer, pero como otros muchos amantes de la danza, considero que es parte de nuestra responsabilidad como docentes trabajar para contribuir a cambiar esta concepción, no solamente por revalorizar la danza como arte escénico sino para mostrar que el conocimiento de la danza es una forma de conocer y experimentar el mundo tan válida, sofisticada y adecuada como otras formas de conocimiento.

Dentro del ámbito de la formación de la danza escénica, tanto en la enseñanza reglada como en la privada, he tenido la satisfacción de poder contribuir junto a otros docentes a la formación de bailarines profesionales a través de un desarrollo técnico-corporal profundo, conocimientos teóricos de historia de la danza, capacidades reflexivas del análisis funcional del movimiento, el trabajo de aspectos creativos dentro del campo coreográfico, así como los recursos del lenguaje audiovisual y la tecnología a disposición de la danza. En definitiva, a través de una perspectiva trasversal entre la formación técnico-corporal y los aspectos teórico-práctico-reflexivos que se pueden sustraer desde el campo coreográfico. La finalidad principal de esto es ayudar a definir el lenguaje artístico, creativo, interpretativo y cognitivo de los alumnos, ya que en última instancia, son las inquietudes de estos los que le dan sentido real a mi labor como docente.

Centros donde he impartido Talleres

Universidad Rey Juan Carlos

Universidad de Bellas Artes de Cuenca

UPV/EHU de Bilbao

Aula de Danza - Universidad de Alcalá de Henares

Universidad Veracruzana (México)

Institut del Teatre de la Diputació de Barcelona

Conservatorio Superior de Danza María de Ávila

Conservatorio Profesional de Danza de Zaragoza

Dantzerti - Superior de Danza País Vasco

CCG - Centro Coreográfico Galego

Centro Coreográfico de Biarritz

CDArt - Bilbao Dance Center

Instituto de Danza Alicia Alonso

Danza 180

Varium

Tenerife DanzaLab

Dantzagunea

Instituto Cervantes - Brasil, Bulgaria, Grecia

¿Qué es la Danza Contemporánea?

¿Qué es la danza contemporánea? Es una pregunta recurrente que me suelen formular. De entrada suelo decir que es un termino con cierta resistencia a ser enmarcado dentro una definición cerrada y por eso intento explicarlo de diferentes maneras Cuando intento explicarlo como escritura de la danza, suelo decir que la danza contemporánea puede ser contact impro, pero también puede ser gaga, flying low, danzas somáticas, monkey fight, speedy puzzle, kova y podría seguir haciendo cada vez la lista más larga, pero en definitiva, a pesar de que esta lista la conformarían danzas muy diferentes entre sí, todas mantendrían en común una permisividad y sana libertad de maneras de entender el cuerpo.

Si intento explicarlo pensando en las posibles formas de hacer un discurso escénico, suelo decir que la danza contemporánea es un equilibrio. Un equilibrio entre la exhibición del “saber hacer” del cuerpo dancístico y la necesidad del “poder decir” del cuerpo expresivo. Esta en algún punto entre la energía física del movimiento y lo poético que se puede esconder detrás un gesto. Por eso, la danza contemporánea es algo que se puede situar entre la semiótica del símbolo y la experiencia performativa. De hecho, creo que tener la capacidad para decidir y gestionar el equilibrio entre estos acuerdos y desacuerdos, son una de las características principales de esta danza.

Por otro lado, si también queremos pensar en la danza contemporánea teniendo en cuenta el proceso de experiencia en vivo que se establece al aparecer la figura del espectador, al menos desde mi percepción, se debe evitar convertir estos acuerdos y desacuerdos en un mero desarrollo personal que fomente quedarse en un entorno ensimismado, ni tampoco lanzarse a la homogeneización o moda cultural del espectáculo globalizado. Lo primero puede provocar una falta de comprensión del discurso y no llegar a la esfera pública. Mientras que lo segundo aniquila las identidades culturales y puede anestesiar la conciencia y capacidad de reflexión de las sociedades.

Y cuando intento explicarlo como una forma de aprendizaje, digo que el potencial de esta danza para explorar y aprender desde el espacio de la experiencia, es amplísimo. Llevo años acercando a las personas el concepto del término danza contemporánea y por propia experiencia puedo decir que mostrar y enseñar la gran riqueza de elementos que se acercan, se distancian, se yuxtaponen, conviven y se relacionan, dentro de este término tan difícil de asir y de definir, resulta ser un apasionante viaje de aprendizaje a muchos niveles.

Campo del conococimiento desde la Danza

El campo de investigación fruto del desarrollo de mi tesis doctoral, está centrado en las interrelaciones que se pueden crear entre los procesos creativos con el análisis coreográfico de la danza escénica. Es un terreno de investigación que me resulta apasionante pero que a la vez se puede convertir en altamente inestable. Por un lado, podemos ver como las metodologías de creación pueden llegar a ser tremendamente diferentes entre creadores. Las formas de entender el proceso creativo de Pina Bausch o de William Forsythe, nada tienen que ver. Por otro lado, podemos observar como la danza escénica siempre se encuentra en una constante transformación y expansión. 

Un ejemplo de ello lo podemos ver fácilmente al apreciar los diferentes usos semánticos que se utilizan en la actualidad para identificar al “sujeto” en escena. Independientemente de pertenecer al campo del ballet clásico o a la recién nacida danza moderna, a principios del siglo XX, la manera de identificar al “sujeto” en escena, era siempre bajo el término “bailarín”. Sin embargo, en la actualidad, aun perteneciendo todos al ámbito de la danza escénica, vemos que se utiliza la palabra “bailarín” para identificar a alguien que baila en el NDT, la palabra “performer” para hablar de obras como las ejecutadas por el coreógrafo Dimitris Papaioannou, la palabra “mover” para referirse a bailarines con capacidad para explorar y generar un alto rango de posibilidades de movimiento, como por ejemplo, para referirnos a cualquier integrante del elenco de la compañía israelí Batsheva Dance Company del coreógrafo Ohad Naharin, la palabra “intérprete” para hacer alusión a los integrantes de DV8 - Physical Theater, la palabra “bailaor” para referirnos a los que bailan flamenco, la palabra “butohka” para los ejecutantes de la danza butoh o la palabra “danzante” para los que empiezan a desdibujar las fronteras de la danza escénica y la danza ritual. Hemos pasado de tener una sola palabra para identificar al “sujeto” en escena, a tener un amplio abanico de ellos.

Pero esto no ocurre solamente en este simple aspecto, los términos para aludir la multiplicidad de formas del hecho teatral también se vuelven cada vez más amplios. Autores de las nuevas corrientes de la teoría teatral como Jorge Dubatti, Hans ThiesLehmann, Erika Fischer-Lichte, André Lepecki, Patrice Pavis o Roberto Fratini, coinciden en señalar como actualmente la investigación de las artes escénicas se encuentra en una expansión, diversificación y reformulación de sus definiciones. Por lo tanto, esta complejidad y diversificación se deben traducir inevitablemente en maneras de análisis más enriquecidas que atiendan de manera más adecuada a esta multiplicidad, y que contribuyan a su vez a seguir enriqueciendo los programas de pregrado y posgrado, tanto de conservatorios como de universidades. En este sentido, y a raíz de las investigaciones fruto del desarrollo de mi tesis doctoral, planteo la danza a través de un conjunto de herramientas de análisis coreográfico que ayuden a abarcar la amplia y cambiante morfología de la danza escénica de la actualidad. Estas nuevas proposiciones de análisis que planteo, son de carácter complementario a las metodologías existentes en la actualidad, además de estar directamente relacionadas con los procesos prácticos y reflexivos del proceso creativo.

Enseñar desde la Danza Contemporánea

¿Cómo poder recoger y enseñar el conocimiento viviente y expansivo que surge desde la danza contemporánea? Esta es una pregunta constante que me hago como docente y en este sentido, cada vez que doy clases o imparto un taller, sigo aprendiendo para poder responderla de la mejor manera posible. Con la experiencia, he descubierto la importancia de saber triangular bien tres aspectos: 

01. Ser un gran conocedor del contenido: La danza contemporánea es una experiencia primordialmente corporal, por lo que todos los aspectos tanto anatómicos, expresivos, cognitivos, reflexivos como creativos que se derivan del cuerpo, se deben manejar bien, tenerlos presentes y saber interracionarlos adecuadamente.

02. Tener presente a quién va dirigido para organizar y estructurar bien el contenido: Un bailarín del conservatorio que estudia clásico, un actor, un artista de circo, un adolescente al que le fascina el tic-toc, o alguien que está haciendo audiciones y que aspira a entrar en la Batsheva Dance Company, todos pueden enriquecerse enormemente de una clase de danza contemporánea, pero hay que comprender bien el contexto, expectativas y nivel del grupo para que el proceso de aprendizaje sea lo más nutritivo posible.

03. Aprender a traspasar la experiencia y conocimiento acumulado del cuerpo de uno mismo al cuerpo de otros, es un tema que cada vez me resulta más fascinante y al que cada vez le doy más importancia. Las múltiples formas en las que puedes traspasar y comunicar tanto a través de explicaciones racionales como de metáforas, son clave para que el trasvase de conocimiento sea lo más amplio posible.

Talleres con Iker Gómez

Desarrollo del conocimiento teórico-reflexivo desde la danza escénica como vehículo de inspiración creativa

contacto

Iker Gómez - Coreógrafo
 639 533 917
Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.
www.danza.ikergomez.es